КВД №9,Жанна Маммен и её Берлин

В 20-х и в 30-х до Гитлера, Жанна Маммен была успешна, очень востребована и была среди верхних талантов германского авангарда того времени.Она создавала сатиру на современную ей жизнь Берлина. Всё это и сегодня интересно и смотрится. Конечно о ней нужно бы сделать немаленький пост для хорошего понятия.

Это акварель и карандаш на бумаге. Для её целей получается просто замечательно.

Сегодня Хенкс рисует его полупорнуху акварелью так, что это выглядит как заглаженное масло. Ну и что? Он что, заменил масло акварелью в мире? Он умышленно создаёт его голых девочек как точную фотографию.Его акварельная техника это позволяет. То что он и такие как он делают, это ещё один симулякр, и всё. А если сказать по-русски, то это ещё одно фальшивое, масс-культурное . лядство, выдающее себя за что-то настоящее.

Настоящая живопись стала второстепенным искусством на ближайшее всегда. Хенксы и Лубенниковы с их полупорнухой правят бал.Хенкс есть в этом блоге. Можете нажать в метках.

Жанна Маммен показывает нам знаменитейшее кафе "Кранцлер"для БОМОНДА. Тогда оно находилось прямо на центральном бульваре Берлина Унтер-ден-Линден. Мне нравится эта работа. Поэтому я и выбрал её для воскресного дня.

Им скучно. 1929, Маммен, Жанна (1896-1976) Boring Dolls, 1929. by Jeanne Mammen (German, 1896-1976)

Я не перевёл дословно, потому что по-русски слово "куклы"или например "красотки", создадут неправильный оттенок. Журналы чуть ли не отбивали Жанну Маммен друг у друга. Настолько эти её работы были востребованы. Когда пришли Гитлер и Геббельс, Маммен полностью перестала выставляться и работать для публики. Бедствовала, но не работала.

Продолжение следует

Article 9

Article 8

Article 7

Article 6

ЕВРЕЙСКИЙ АКЦЕНТ В РУССКОМ АВАНГАРДЕ. Часть 1.

"Все видеть, все понять, все знать, все пережить,Все формы, все цвета вобрать в себя глазами.Пройти по всей земле горящими ступнями,Все воспринять и снова воплотить."Максимилиан ВолошинНедавно в Москве прошла выставка "Современники будущего. Еврейские художники в русском авангарде. ", на которой были представлены работы художников с 1910 по 1980 годы. Она дала повод поговорить на тему о вкладе в искусство советского времени и особенно так называемого"нового, неакадемического"искусства художников еврейского происхождения, их роли в становлении русского авангарда первой, второй и, условно говоря, третьей волны.

В творчестве этих художников, за малым исключением, трудно проследить еврейскую идентичность, темы жизни местечек и еврейских традиций отходят у большинства из них на второй план, на смену им приходят темы интернационализма, строительства нового социалистического мира, новой культуры большинства. Советский авангард даже с введением метода социалистического реализма стремился, отказавшись от следования чистым национальным традициям, взять из них "самое лучшее"и участвовать в становлении новой пролетарской, единой для всех народов страны культуры.Показательна в этом отношении судьба Натана Альтмана (1889—1970), родившегося в Виннице в семье торговца, мечтавшего стать художником, но для того, чтобы иметь возможность быть в центре художественной жизни в столице, еврею надо было иметь образование. Он проводит 2 года в Париже, знакомится там с Шагалом и кружком молодых авангардистов,

возвращается в Россию, сдает экзамен на художника по вывескам и в 1912 году приезжает в Петербург. Там он знакомится с богемой, участвует со своими кубистическими работами в выставках "Мира искусства", знакомится с Анной Ахматовой.

Критик Л.Бруни писал о его портрете Ахматовой, что "это не вещь, а веха в искусстве". Она навсегда осталась для нас такой, какой её увидел Альтман., хотя сама она свой портрет не любила, считая, что "эта стилизация"не имела ничего общего с ее личностью. Революцию 1917 года художник, встретил с восторгом. Он активно подключился к работе на благо советской страны. В 1918 году Альтман художественно оформляет первый советский парад, посвящённый годовщине Октябрьской революции. Альтман много работал в театре,

в 1928 году с Еврейским театром едет на гастроли по Европе. Театр имел огромный успех, Альтман на 7 лет остаётся в Париже. В 1936 году он вернулся в СССР, но не вписался в художественную соцреалистическую схему, жил в основном книжными иллюстрациями и оформлением спектаклей.

В его творчестве еще были сильны еврейские мотивы и обращение к Ветхому завету.

"Отвержение мечтательной романтизации еврейского местечка, которой занимался Шагал, было неизбежным для молодых еврейских художников, вступивших в новую эру индустриальной революции, рабочего коллективизма и массового спорта." (Борис Гройс). Начало этому явлению положил переход большой группы студентов (в основном евреев) витебского Художественного училища в 1919 году на сторону Малевича в его конфликте с Шагалом. Малевич со своим супрематизмом* "победил"не только потому, что тема еврейского местечка и ее идеализация перестали быть актуальными, но и потому, что он предложил им метод отказа ото всех и всяческих изображений, что давало возможность вернуться к более древней и высокой еврейской традиции - иконоборчеству: «не сотвори себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху… не поклоняйся им и не служи им» (Исх.20:4-5). Как пишет Б.Гройс, Малевич с его "Черным квадратом"подобно Моисею привел еврейских художников в обетованную землю абстракции и модернизма, которые не мешали им, оставаясь художниками, следовать еврейской традиции, возможно даже не осознавая этого. Эль Лисицкий (Лазарь Мордухович) (1890-1941), родился в семье ремесленника, учился в Смоленске, затем получил образование инженера-архитектора, увлекся еврейской тематикой.

В 1918 году в Киеве Лисицкий даже стал одним из основателей «Култур-лиге» — авангардного художественного и литературного объединения, ставившего своей целью создание нового еврейского национального искусства. По приглашению Шагала в 1919 году переехал в Витебск, но с 1920 года Лисицкий под влиянием Малевича обратился к супрематизму и подписывает свои работы «Эль Лисицкий». Являясь одним из выдающихся представителей русского еврейского авангарда, он способствовал выходу супрематизма в архитектуру.

Интересны его "проуны" (проекты утверждения нового) - объемно-пространственные композиции, попытка преодолеть границы разных видов искусства, сблизить живопись и архитектуру. Лисицкий активно работал в книжной иллюстрации, увлекался фотографией и фотомонтажом,

плакатным искусством и особенно архитектурой. Умер в Москве в 1941 году от туберкулеза. Авангардисты увидели мир детскими удивленными глазами, радость цвета и красоты предметного мира затмила для них все. Не случайно в их работах практически не встретишь драматизма и тем более обличений, все это появится гораздо позже.Илья Чашник (1902-1929), родился в Витебской губернии, в большой семье, где было 8 детей, и уже с 11 лет, после переезда семьи в Витебск, начал по 10-11 часов работать в оптической мастерской. Сначала он посещал воскресную художественную школу Пэна, а после приезда в Витебск Шагала начал заниматься у него. но вскоре переходит к Малевичу и становится самым верным его учеником.

Он переезжает с ним в Петроград в 1922 году, работает в области промышленного и архитектурного дизайна, художником по фарфору на Ленинградском фарфоровом заводе. Чашник был апологетом супрематизма, жил идеей революции в живописи, но очень мало успел - умер от перитонита в возрасте 26 лет.

Последними его словами были: «Передайте Малевичу, что я умер, как художник нового искусства». Еще одним , ярким представителем супрематизма как базового направления в искусстве и архитектуре 20 века, творцом русского авангарда был Лазарь Хидекель (1904-1986). Он родился в Витебске в семье архитектора. уже в 14 лет стал учеником Марка Шагала, в 15лет - ученик и подмастерье в архитектурной мастерской Эля Лисицкого, а в 16 - ученик Малевича и один из создателей УНОВИСА («Утвердители нового искусства») и теоретиков супрематизма,

а в 1920 году возглавляет Архитектурную студию УНОВИСА. В 1925–1932 годах уже в Ленинграде Хидекель создает беспрецедентно опережающие время проекты городов будущего – Аэро город, Город на опорах, Плавучий город, Летучий город.

В 30-е годы он активно проектирует и строит, но позднее, не будучи согласным с поворотом архитектурной идеологии в сторону сталинского ампира, уходит на преподавание в ЛИСИ вплоть до конца жизни.Евреи, жившие в Европе, испытывали трудности со "встраиванием"в национальные культуры европейских государств того времени, в которых установка на национальные традиции исключала участие «деструктивной и нигилистической» еврейской интеллигенции. В этом и одна из побочных - помимо основной, антисемитизма - причин возникновения идеи сионизма в европейском еврейском сознании. В Советском Союзе идеи сионизма не пользовались популярностью до конца 30-х годов, советские евреи активно влились в жизнь, политику и культуру страны, участвовали во всех ее начинаниях.Таким был и художник Соломон Никритин (1898 - 1965). Он родился в Чернигове в семье предпринимателя, учился в Киевском художественном училище, затем, по рекомендации М.Горького, в частной школе Л.О.Пастернака в Москве. Во время Гражданской войны Никритин участвовал в боях за освобождение Одессы от белых, затем вернулся в Москву и год учился во ВХУТЕМАСе у Кандинского.

В 1922 году он возглавил группу «Метод» («Проекционисты»), рассматривавшую искусство как «науку об объективной системе организации материалов», был проводником идеи"постфутуристического"авангарда.

В 30-х годах Никритин - главный художник Политехнического музея и художник Всесоюзной сельскохозяйственной выставки, а во время войны делал "Окна ТАСС".

Постепенно он отошел от увлечения авангардом в станковой живописи и даже начал писать вполне в стиле соцреализма. Давид Штеренберг (1881-1948), родился в Житомире, был учеником фотографа в Одессе, принимал активное участие в политической жизни, был членом "Бунда". в 1906 году из-за преследований его членов уехал в Вену, затем в Париж, где учился в Школе изящных искусств и в Академии А. Витти.

Штеренберг вошел в круг парижского авангарда, познакомился с А. Модильяни, постоянно встречался с П. Пикассо, начал участвовать в выставках "Салонов". В 1917 году Штеренберг вернулся в Россию, принимал активное участие в организации художественной жизни, занимался вопросами перестройки художественного образования, охраны памятников истории и культуры, входил в еврейские художественные организации и экспонировал свои работы на их выставках.

В годы войны эвакуировался в Иркутск, работал в «Окнах ТАСС». За годы своей художественной жизни стили Штеренберга несколько раз менялись от фовизма, кубизма и кубофутуризма в парижский период, через примитивизм в натюрмортах и жанровых сценках

к экспрессивной живописи во второй половине жизни. В 40-х годах он подвергался критике за формализм, перестал выставляться и вскоре был практически забыт.Лабас Александр Аркадьевич (1900-1983)родился в Смоленске в семье журналиста и издателя и уже с 6 лет начал заниматься живописью в частной студии. После переезда семьи в Ригу мальчик начинает учебу в Строгановском училище, а с 1917 года обучается в Государственных художественных мастерских (в дальнейшем ВХУТЕМАС).

Лабас работает художником в 3-й Армии, а затем по приглашению В. Фаворского преподает во ВХУТЕМАСе живопись и цветоведение, оформляет театральные спектакли, вместе с соратниками принимает участи в работе основанного ими "Общества станковистов".

Александра Лабаса потрясали чудеса 20-го века: паровозы, самолёты, дирижабли, корабли. Технические детали ему были не интересны, его увлекал восторг пассажиров, и свой собственный. Дыхание времени он видел не в рабоче-крестьянских победах, а во всём, что движется, плывёт и летит.

Поэтому, судьба художника была предсказуемой. Когда единственно правильным искусством стал соцреализм, Лабаса, в числе многих, отлучили от выставок. И только через тридцать лет Александр Лабас смог показать свои картины зрителям. Тышлер Александр Григорьевич (1898-1980)родился в Мелитополе в семье ремесленника, учился в Киевском художественном училище, оформлял улицы и площади Киева, а в 1919 году пошел добровольцем в Красную армию. Вскоре после демобилизации поступил во ВХУТЕМАС, в мастерскую В. А. Фаворского. стал членом художественной группы проекционистов,

в 1925 г. присоединился к объединению ОСТ (Общество станковистов). Его работы экспонировались на выставках в Харбине и Дрездене, Лейпциге, Венеции и Риге. Творчество Тышлера с его фантасмагориями было совершенно чуждо духу социалистического реализма, живописец и график, театральный художник и скульптор, фантазер и мечтатель, говорил со зрителем языком метафор.

После 1932 года и до 1964 его живопись не выставлялась, он работал в основном как театральный художник, любимым его драматургом был Шекспир. В последние годы жизни у него иногда появляются еврейские мотивы, отражающие впечатления детства в еврейском местечке.

Пришло время, когда перед большинством художников встает вопрос: не отдаляться от еврейской жизни и еврейских традиций, или утверждаться на позициях радикального авангарда. Одним из тех традиционалистов, для которых превыше всего ценились профессионализм и культура живописи, помноженные на духовные и эстетические ценности еврейского местечка, был Меир Аксельрод (1902-1970), родившийся в местечке Молодечно (Белоруссия). Во время Первой Мировой войны евреев выселяют из прифронтовой полосы – семья находит прибежище в Тамбове. Там он начинает учиться рисованию, переезжает в Минск и зарабатывает на жизнь рисованием плакатов, затем по направлению Штеренберга учится на графическом факультете ВХУТЕМАСа у В.Фаворского.

Аксельрод выставляет работы из серии «Местечко», исполненные во время ежегодных поездок в Белоруссию, получает очень хорошие отзывы, преподает рисунок во ВХУТЕИНе и в Текстильном Институте, много занимается книжной графикой. Его работы экспонируются на крупных международных выставках в Швейцарии, Голландии, Франции, США. В 1941 году пишет эскизы для фильма "Иван Грозный", а в годы войны работает над темой Катастрофы.

С конца 40-х и до 1966 года нигде не выставляется, у него за всю жизнь не было ни одной персональной выставки,

и только в конце жизни художник смог показать большое количество своих работ в ретроспективной групповой выставке в Москве,

а после его смерти, начиная с 1972 года произведения Аксельрода экспонируются по всему миру, которому он оставил огромное творческое наследие.ПРОДОЛЖЕНИЕ СЛЕДУЕТ.Как всегда, у вас есть возможность посмотреть клип на тему в сопровождении музыки, в котором в четыре раза больше репродукций картин упомянутых в тексте художников.

Жанна Маммен. (немаленькое продолжение)

Жанна Маммен. (немаленькое продолжение)

Карнавал в Берлине. Жанна Маммен (1890-1976)

"Карнавал в Берлине"было общее название серии, которую делала художница. К этой картине у меня была вполне определённая надпись с именем кафе, но у меня случилась жуткая вещь с инфой в моём компе. Сойдёт за третий сорт.

Я бы сказал, что композиция этой сцены в кафе перекликается со сценой ночного кафе у её современника Шада, в "Cafe d'Italia", 1921 года. Где-то неделю назад вы видели эту работу в моих постах про Шада.

Но у Маммен, конечно же есть собственный привлекательный стиль и удачнейший выбор техники для её стиля. Поэтому — смотрится. Просто замечательно смотрится, а? Маммен была мягче, чем Шад."Так и ведётся на нашем веку. "— мы все разные.

Без названия. Жанна Маммен (1890-1976)

Это интересно. Не воротите носы. Эти дамочки — ФЛЭППЕРЫ. Флэппер — это радикального поведения, одежды, внешнего вида и т.д. девицы и молодые дамы из состоятельных слоёв. Круглая короткая стрижка, юбка или платье не ниже колен (что было выше, чем позволяла тогдашняя консервативная этика).

Талия опустилась до бёдер и стала прямой или почти прямой. Флэпперы не только в серьёзной степени избавили женщин от брони корсета, но они не затягивали себя поясом так, чтобы выглядеть как молодая Люся Гурченко или Одри Хепбёрн, если пояс вообще присутствовал. Чаще всего они одевались и выглядели как передняя дама на картине.

В "Весёлых ребятах"сценаристы и режиссёр сделали буржуйскую дочку нэпмана, у которого работает Орлова, классической флэппершей по внешнему виду. Но, на самом деле ко времени фильма, Великая Депрессия на Западе уже почти убила традицию Флэпперов. Флэпперы — слишком длинный разговор. Но это интересно. Шанель взлетела вместе с флэпперами. Каждую новинку её моды ждали и подхватывали Флэпперы всего мира. То, что Шанель в начале двадцатых подписала духи её именем, обеспечило ей постоянный доход и теперь она не боялась финансово пролететь в её экспериментах в моде.

Making up. Прихорашиваясь.Жанна Маммен (1890-1976)

Нескучно. И у Маммен всегда, или почти всегда, есть мягкий сарказм. Приятный, не злобный

Перед началом представления. Жанна Маммен (1890-1976)

Уборные перед началом представления или во время антракта — привлекательная тема для многих художников. Серебрякова писала балерин в антракте с голыми титями, а вот как написал сцену за кулисами известный в Старом и Новом Свете немец из Южного Тироля, современник Маммен.

За кулисами. 1905, Путц Лео (1869-1940)

Обратите внимание на то, что Маммен нигде не нуждается в скидке, как женщина. Она не уступает грубым мужичинам(sic), а её стиль замечательный.Почти всё что вы увидите Маммен создала акварелью и карандашом. И как же это удачно сочетается с её стилем, правда?

Woman at the Cross, 1908 Jeanne Mammen (1890-1976)

Это совсем ранняя работа. Но здесь уже чувствуется индивидуальность, а не просто подражание.

Ранняя жизнь Маммен напоминает жизнь изобретателя Рудольфа Дизеля. Дизель даже родился в Париже, потому что у его немецкого папы был там бизнес.А Маммен попала в Париж в пять лет, когда её отец перевёз семью во Францию, где у него были деловые интересы. Французские детки называли Дизеля в школе, "хорошенькая немецкая свинья". Потом, во время франко-прусской войны их выкинули как враждебных иностранцев и теперь немецкие детки называли Дизеля "хорошенькая французская свинья". В результате, папаша Дизель, за то что он потерял бизнес стал крутейшим немецким националистом, а Дизель, совсем наоборот, стал крутым космополитом. Он между прочим знал пачку языков и был хорошим лингвистом. Дизель лежит в Ла-Манше с 1913 года, и никто не знает почему. Хотя есть, как и всегда в таких случаях, версии.

La Baronne Vintage 1926. Jeanne Mammen (1890-1976)

Жанна Маммен жила в Париже (некоторое время в Бельгии в Академии—1908 год.) до 24 лет. Семья была очень состоятельной, а жизнь была прекрасной. Она была знатоком французской литературы, современной живописи и просто всякой-разной культуры. Недаром она потом сделала иллюстрации к поэме Верлена. На её мышление имел влияние Гюго и больше всех — Флобер.

В живописи её любимыми стилями были символизм и потом, что естественно, модерн. В её более поздние работы она внесла присутствие Тулуз-Лотрека и некоторых других великих постимпрессионистов.

At Kranzler’s. 1929 by Jeanne Mammen (1890-1976)

"Kranzler"было очень знаменитое и очень элитное кафе в Берлине. Картину с этими замечательными стервами я уже описал в маленьком посте про Маммен. Давите в метках и читайте, если надо.

С началом Первой войны всё прекрасное кончилось. Папа схватил семью и вовремя сбежал, сначала в Голландию, чтобы не попасть в лагерь для враждебных элементов. И он потерял ВСЁ. Франция официально объявила его враждебным иностранцем и на "законном"основании всё конфисковала. В конце концов Жанна, как и Дизель, стала космополитом. У космополитов мышление не зашорено псевдо-патриотическими идеями и стандартами воинственного шовинизма.

Siesta. Jeanne Mammen (1890-1976)

А вот и Тулуз-Лотрек. Прямо в такой композиции есть одна из работ Тулуз-Лотрека о лесбиянках. Конечно же Жанна Маммен тоже любила девочек, а не мальчиков. Эй! Гнусные дебилы! Если они не имеют к вам отношения, какое вам тогда дело как, с кем и куда геи занимаются любовью?

Русский женский оркестр. 1929 Жанна Маммен (1890-1976)

Это не так нелепо, как кажется. Хотя состав странноватый, не так ли? Русская жизнь в послевоенном Берлине и Германии просто кипела. Издательства издавали, актёры показывали, выставки выставляли, кружки и школы обучали, хоры пели, а музыканты исполняли. Скорее всего эти дамы одеты в стилизованную форму одного из гвардейских полков.Может быть того, в котором Николай II был полковником. Измайловский, а? Будем надеяться на подсказку знатоков.

Большая Медведица. Jeanne Mammen (German, 1896-1976), Der Grosse Wagen (Ursa Major, The Great Bear), 1920s, Watercolor and pencil on paper

Интересно. Наша, истинно русская Большая Медведица у них называется через мужской артикль "Der". То есть название говорит "Большой Медведь", вместо "Медведица". Этот чувак с его толстенной сигарой и тоскливой шваброй по имени "ЖЕНА", явно крупный игрок на бирже в стане тех, которые играют на понижение. То есть он есть"Медведь", а не "БЫК". Дальше я не очень схватываю тонкий сарказм Жанны. Если бы по-немецки в небе была "Медведица", то можно было бы предположить, что по воле художницы, биржевой "Медведь"хотел бы заменить эту скучную женщину.Но так как в небе тоже "Медведь", то я не совсем врубаюсь, что же биржевик ищет в небе. Может родную, медвежью душу?

Один из вечных жанровых сюжетов. Обеспеченная жена, муж которой ей уже не интересуется. Но Маммен удачно вставила этого котяру,и сцена перестала быть трафаретной, правда?Когда в 1916 году семья Маммен вернулась из Франции, через года полтора в Голландии, в Берлин, у них почти ничего не было. Похоже, что её отец не имел в Берлине никаких активов. А всё что было во Франции накрылось французским медным тазом. Теперь, жизнь Жанны Маммен резко переменилась. Она должна была сама, буквально, зарабатывать на хлеб и кров.------Уф! Устал. Ладно, я посчитал. Примерно половину заготовленного я уже задействовал. Остальное завтра или когда здоровье позволит.

Вениамин

Пальмира - королева пустыни

Вместо пролога. У меня дома на книжной полке давно пылится путеводитель "Вся Сирия", написанный талантливыми российскими журналистами Д.Осиповым и С.Медведко. Это самый подробный и качественный путеводитель из всех, какие только писались об этой стране. 600 страниц, где методично отображена каждая пядь сирийской земли, каждый город, замок, мавзолей, вплоть до отдельно стоящих колонн и груд древних камней. И я все эти годы боюсь его открывать и даже прячу на задней полке. Потому что понимаю, что страны, так любовно представленной Д.Осиповым и С.Медведко уже нет, или почти уже нет. Уже разрушены десятки сирийских городов, уничтожены сотни памятников. Еще немного и путеводитель "Вся Сирия" будет отображать лишь исчезнувший фантом. Это пост о древнем городе, руины которого возможно скоро полностью исчезнут.

Я снимал в Пальмире два дня, но к сожалению, солнце выглядывало тогда лишь на несколько часов - надвигалась пылевая буря, и многие фото получились темноватыми.

В средние века все считали, что Пальмиру, по арамейски Тадмор (кстати, эти два слова близки по смыслу - это "город пальм") построили джины для царя Соломона, ну или, как вариант, сам Соломон. Об этом есть упоминание в Ветхом Завете:

«И построил он Фадмор (Тадмор) в пустыне, и все города для запасов, какие основал в Емафе.» /2-я Паралипоменон 8:4/

Иудейский путешественник из Испании Вениамин Тудельский так описал Пальмиру в 12 веке:

«Тадмор также построен в пустыне Соломоном из подобных же громадных камней; город окружен каменною стеною, лежит в пустыне, вдали от населенных мест и отстоит от упомянутого выше Ваалафа на четыре дня пути. В Тадморе живут около двух тысяч евреев, храбрых в бою. Они воюют с христианами и арабами, подвластными Нуреддину, и помогают соседям своим измаильтянам.»

Правда, тут возникает вопрос - существовал ли сам царь Соломон, на который, скорее всего, стоит ответить отрицательно. А вот название "города пальм" известно с глубокой древности. Уже во 2 тыс. до н.э. на одной из ассирийских табличек присутствует имя - Пузур Иштар, тадмореянин. На табличках времен ассирийского царя Тиглатпаласара I (1114-1076 гг. до н.э.) есть упоминание о "Тадморе в стране Амурру".

Ранее утро, Пальмира - "Город пальм", еще спит. Спит и владелец местного транспортного средства)

Но своего расцвета Пальмира достигла после открытия Великого шелкового пути. Она стала одним из многих "караванных городов", таких как Хатра, Петра и т.д. Арабские и арамейские купцы, сколотили огромные состояния на посреднической торговле между Востоком и Римской империей.С I века н.э. формально город стал частью империи римлян, но постоянно тяготился этого статуса, так как роль вечного посредника между Западом и Востоком была ощутимо выгоднее. Но, в 211 г. н.э. при императоре Септимии Севере Пальмира официально вошла в состав Римской империи. Именно в III в. н.э. начался экономический расцвет Пальмиры. Большая часть, сохранившихся ныне сооружений города, относится именно к этому времени.

Рост благосостояния пальмирцев привел к значительной самостоятельности города. В 258 г. римский консул арабского происхождения - Оденат, совершил ряд удачных походов против парфян, извечных врагов Рима. За это император Галлиен произвел его в "местные императоры". "Император востока" не остановился на достигнутом, Оденат смог присоединить к своему царству почти весь Ближний Восток. Естественно, его успехи стали беспокоить Римскую империю, и в 267 г. он был убит в Эмесе (современный Хомс).

И тут на историческую сцену выступает жена Одената - царица Зенобия, прославившая и себя, и Пальмиру. Зенобией ее называли римляне, настоящее имя этой женщины - Зейнаб или Зубайдат Бат Заббаи.

Историки описывают Зенобию, как женщину "необыкновенной красоты с матовой кожей, черными глазами и зубами белыми, как жемчуг". Она могла на коне легко сделать дневной переход вместе со своими воинами.

Советником Зенобии стал философ-неоплатоник Дионисий Кассий Лонгин, который посоветовал царице начать войну с Римом. И война началась. Зенобия разгромила все римские легионы в Египте и Малой Азии, создав огромную империю, куда входил весь Ближний Восток. Арабы-бедуины царицы Зенобии, по сути, создали в 3 в. н.э. предтечу будущего арабского Халифата. Но, триумф бедуинского государства был недолгим, новый римский император Аврелиан в 272 г. н.э. в битве по Эмессой разгромил полчища царицы Зейнаб и взял Пальмиру штурмом. В 274 г. н.э. царицу Зенобию провели в золотых цепях по улицам Рима в процессии триумфа императора Аврелиана.

За пальмами уже виднеются руины главного пальмирского храма бога Бела.

В дальнейшем город начал постепенно угасать. В 634 г. Пальмира была занята арабами-мусульманами. Из-за сокращения торговли в данном регионе, значение города резко упало, так как торговые пути стали пролегать через новые арабские города - Каир и Багдад.

В 12 в. сельджуки превратили главный храм города в средневековую крепость. В этой крепости местное население укрывалось от набегов кочевников вплоть до 20 века. Только в 1929 году с территории храма была выселена небольшая деревушка местных жителей.

Одна из угловых башен ограды храма Бела. Этот храм - самое хорошо сохранившиеся сооружение такого рода на Ближнем Востоке.

Башня ворот сельджукской крепости. Когда-то входом в храм служил восьмиколонный портик, в средние века из него сделали боевую башню.

Еще один угол храмовой ограды, превращенный сельджуками в боевую башню, даже один зубец остался. Рядом основание круглой башни, состоящей из одних сполий - круглых пальмирских колонн.

Главный храм Бела внутри обширного двора. На переднем плане блоки от основания какого-то крупного сооружения, вероятно, это руины зала, где устраивали жертвенные трапезы - сотни забитых животных поедались лучшими людьми города.

К главному храму, стоящему на возвышении ведет пологий пандус. По этому пандусу выносили статую бога Бела, видимо, в древности вокруг храма устраивали процессии с главной статуей божества, какие сейчас можно увидеть в Индии, где многие тысячи людей во время праздников носят статуи Вишну или Шивы по улицам городов.

Храм Бела чем-то похож на античные храмы периптеры, но у него есть и серьезные отличия. Наверно, главное, то что вход здесь осуществляется не с торца, как в Греции и Риме, а с длинной боковой стороны сооружения. Крыша храма была плоской, как это принято на Востоке.

Высокие тонкие колонны храма, по пропорциям, больше похожи на персидские (их можно видеть в Персеполе), чем на греческие или римские. Изначально, колонны имели бронзовые капители, но их вывезли солдаты Аврелиана, как военные трофеи, после штурма города. Наверху заметны характерные для месопотамской архитектуры зубцы.

Несмотря на восточный облик, храм Бела начали строить только в 1 в. н.э., при императоре Тиберии.

Многочисленные дырки в в стенах храма, это результаты поползновений местных жителей в поисках металлов, ведь в древности все каменные блоки скрепляли металлическими скобами.

Потолок южной ниши храма Бела.

Статуи божеств на Востоке всегда ставили в специальные ниши, в отличии от греков, которые ставили своих богов на постаменты открыто. Именно из трансформации подобных ниш появился михраб - исламская молельная ниша, указывающая направление на Мекку.

Южная ниша храма.

Какие боги и в каких нишах здесь располагались - неизвестно. Безусловно, в храме стояла статуя верховного бога Бела или семитского Ваала. Якобы она была вылита из чистого золота, и ее умыкнули легионеры императора Аврелиана.Но, кроме Бела в храме могли находится и статуи других богов, тем более здесь две ниши, и они достаточно вместительные. Известно, что пальмирцы почитали богов в виде "святой троицы", как правило, это был верховный бог Бел, бог солнца Ярихбол, и бог луны Аглибол.При этом со 2-3 вв.н.э. главного бога Троицы перестали называть по имени, он стал просто "благим", "милосердным" и т.д.

Потолок северной ниши. Считается, что тут изображены планеты и знаки зодиака.

Рельефы во дворе храма Бела. К сожалению, дошли они не в лучшем состоянии, но все же, кое-что разглядеть можно.Это, как я понимаю, бог солнца - Малакбел, с характерным венцом с солнечными лучами. Он же бог плодородия, поэтому рядом с ним на жертвеннике лежат какие-то фрукты.

Здесь изображены какие-то воины в римском боевом облачении.

Внизу, очень интересный рельеф, изображающий арабскую процессию. Мы видим верблюда, несущего на себе нечто вроде палатки, а вот справа от него стоят "закрепощенные женщины Востока", укутанные в материю с головы до пят. Видимо, это повседневная уличная одежда пальмирских женщин, характерная для всего эллинистического мира. Это традиция, закрывать себя полностью покрывалами, видимо, пришла из Древней Греции, где, как известно, замужняя женщина не могла выйти на улицу с непокрытой головой и без сопровождающих лиц. Возможно, в пустынном, пыльном климате Пальмиры мода на покрывала только усугубилась, так как ткань дополнительно защищала местных дам от песка пустыни.

Интересно, что античная традиция, требующая прятать женщин под покрывалами, не была преодолена даже заповедями ислама. В коране, как известно, нет требований полностью скрывать женщину от посторонних глаз с помощью материи, там есть предписания закрывать только первичные и вторичные половые признаки. Но, языческие традиции оказались невероятно сильны - мы можем и сейчас наблюдать женщин в исламском мире закутанных в чадры и паранджи.

Обширный двор храма Бела.

По всему периметру двора шли галереи с колоннами, с одной стороны они очень хорошо сохранились.

А это уже крепостная стена, возведенная сельджуками в 12 веке из обломков храма.

Какой-то неразборчивый рельеф, изображающий человека-птицу.

Общий вид храма Бела. Непосредственно к храму подходили колоннады декумануса - главной улицы всех городов, построенных по римским лекалам. Но, часть декумануса, непосредственно прилегающая к святилищу, не сохранилась, там теперь проходит современная дорога.

Сейчас декуманус начинается от триумфальной арки, возведенной примерно в 200 г. н.э. во время правления императора Септимия Севера.

"Сирийская" династия Северов очень много сделала для Пальмиры, именно в их правление были возведены все основные здания в городе, в том числе и Большая колоннада.

Почти все колонны в Пальмире имеют специальные консоли-выступы. В древности на них ставились бюсты лучших людей города. Бюсты, как правило, были бронзовыми, поэтому их давно все украли и переплавили.

Общая длина декумануса - 1100 метров. Когда-то на этой главной улице города шла бойкая торговля, за рядом колонн располагались лавки купцов и мастерские ремесленников.

Кое-где сохранились стены крупных построек за колоннами главной улицы (в данном случае, это стены театра Пальмиры). Эти стены отмечают ширину тротуаров, идущих с каждой стороны декумануса. Именно здесь стояли торговые ряды, и прохаживались граждане города. Эти пешеходные зоны имели деревянные перекрытия, как в средневековых арабских рынках, например, в Дамаске. Градостроительная культура исламских городов почти всегда повторяла формы Древнего Рима. Поэтому, всем кому интересно узнать, как жили римляне в начале нашей эры, я бы посоветовал съездить в Каир или Дамаск, где сохранилась средневековая городская застройка.

Как правило, дома большинства граждан в Пальмире строились из сырцовых кирпичей, поэтому от них почти ничего не осталось. По всему римскому миру жилые дома строили из менее долговечных материалов, чем общественные сооружения - форумы, театры, колоннады главных улиц и т.д. Поэтому сегодня многие руины римских городов имеют характерный внешний вид - это, как правило, ряды колонн, стоящие в чистом поле, возможно руины театра, агоры, и все - больше ничего не сохранилось.

Вид центра Пальмиры. Лес колонн прочерчивает главные улицы, а вокруг пустота, дома жителей полностью исчезли, и только редкие холмики и камни вокруг напоминают, что когда-то здесь были оживленные кварталы. По некоторым данным в Пальмире периода расцвета могло проживать до 200 тыс. человек.

Возможно, эта апсида когда-то была частью терм города.

Массивные стены остались от агоры города, она служила рыночной площадью и местом собраний.

По периметру прямоугольный двор агоры окружали портики крытых галерей.

Агору начали разрушать еще при царице Зенобии, ее камни пошли на строительство оборонительных стен города.

Часть исчезнувшего фонтана.

Циклопические блоки неизвестного сооружения рядом с театром Пальмиры.

Сам театр был закрыт по причине позднего времени, я осматривал центральную часть города вечером. Через решетку видна его сцена. Надо признать, что театр в Пальмире восстановили грубовато, он похож на новодел, в силу этого, не очень интересен.

После захвата Пальмиры боевиками ИГИЛ на сцене этого театра террористы убили 20 человек, наблюдать за убийством были согнаны местные жители.

Входной портал агоры.

Массивное сооружение на переднем плане - тетрапилон. Его колонны сделаны из розового асуанского гранита. Тетрапилон обозначал пересечение главных улиц и, фактически, центр города.

На территории Пальмиры сохранился еще один храм, он находится несколько севернее храма Бела и Большой колоннады. Это храм Баалшамина - бога неба. Баалшамин, также как и верховный бог Бел (аналог греческого Зевса), тоже почитался в виде Троицы, причем дополнительные персонажи у него были аналогичны, это опять же бог солнца Ярихбол (или Малакбел) и бог луны Аглибол. Зачем пальмирцам понадобилось дублировать свою главную "святую троицу" непонятно. Но, однозначно, что храм Баалшамина много меньше размерами, значит его статус ниже, чем у верховного бога Бела.

Общий вид комплекса храма Баалшамина.

Комплекс Баалшамина состоял из многих дворов, но лучше всего сохранилось главное здание храма. Скорее все, этому способствовало то, что в 5 в. н.э. храм был переоборудован в христианскую церковь.

Несмотря на малые размеры храм Баалшамина выглядит весьма монументально.

А внутри него - настоящий рай.

При Оденате и царице Зенобии Пальмира была окружена крепостными стенами общей протяженностью - 12 км. Интересно, что до этого город не имел укреплений. Просуществовали пальмирские стены недолго, в 272 г. император Аврелиан приказал их уничтожить. Но, уже Диоклетиан начал восстанавливать стены города, так как Пальмира стала важным военным форпостом на востоке империи. Также известно, что стены были обновлены византийским императором Юстинианом в 6 веке. Правда, и в этот раз укрепления просуществовали недолго, в 8 веке омейядский халиф Мерван II приказал их разрушить еще раз.

В общем, то что можно увидеть в Пальмире сейчас - это, скорее, свременная реконструкция.

На своем западном конце декуманус упирается в сооружение с портиком, это погребальный храм, правда, неизвестно чей. Исходя из его важного положения (ведь этот храм замыкает улицу), этот мавзолей, возведенный в III в. н.э. мог принадлежать человеку (или семье) с очень высоким статусом. Можно даже предположить, что его строили для Одената или самой царицы Зенобии. Вход в сам склеп располагается позади храма, там есть небольшая дверь.

В Пальмире существовало три или даже четыре типа погребальных сооружений - погребальные храмы, погребальные дома (от них почти ничего не осталось), башни и подземные гипогеи. Но, о пальмирских некрополях и музее рассказ будет в следующей части.

А пока несколько мрачных фото вечерней Пальмиры.На заднем плане, на горе, стоит средневековый замок, возведенный мамлюками в 12 веке.

На холме, ближайшие к городу погребальные башни пальмирского некрополя.

" В ГАРЕМЕ" Живопись, удивительная крррасота!!

ПОДБОРКА КАРТИН НА ВОСТОЧНУЮ ТЕМАТИКУ. КРАСОТА И ЧУВСТВЕННОСТЬ.

Антуан, Жан Жюль (1842-1923) *Белая рабыня

Джон Фредерик Льюис -Жизнь в гареме-Каир

Edwin Longsden Long - The Slave Market of Babylon

Georg Pauli 1855-1935

Rudolf Ernst (1854–1932) The Favourite

Jean Lecomte Du Nouy (1842-1923 ) - The Dream of a Eunuch 1874

Josef Sedlacek (circa 1900) Odalisque

Jules Frederic Ballavoine (1855-1901)

Stephan Sedlacek (1868-1936) Oriental Harem Scene

Vanmour, Jean Baptiste - Armeens gezelschap bij het kaartspel, 1727-1737

Vanmour, Jean Baptiste - De eerste schooldag, 1727-1737

Vanmour, Jean Baptiste Griekse bruiloft, 1727-1737

Vanmour, Jean Baptiste - Kraamkamer van een voorname Turkse vrouw, 1727-1737

Vanmour, Jean Baptiste - Maaltijd van voorname Turkse vrouwen, 1727-1737

Vanmour, Jean Baptiste Turkse vrouw voor haar borduurraam, 1727-1737

Vanmour, Jean Baptiste - Turkse vrouw, 1727-1737

Эдвин Лонгсден Лонг(1829–1891)

Эдвин Лонгстен Лонг

Edwin Longsden Long - Queen Esther

Frederick Goodall A New Light in the Harem

Gabriel Auguste Claire Armand de Fraguier (1803-1873)

FREDERICK ARTHUR BRIDGMAN

Eduardo Eugenio Zampighi (1859–1944) A Musical Entertainment

Frederick Arthur Bridgman

Frederick Vezin, 1859-1942 Schleier Tanzerin (Veil Dancer)

Joseph Ratcliffe Skelton

Leon Bonnat (1833–1922) An Egyptian Peasant Woman and Her Child

Mother And Child - Frederick Arthur Bridgman

Nathaniel Sichel (1843-1907) Harem Girl With Instrument

Richard Geiger (1870-1945) Haremsdame mit Papagei

Ernst Rudolph The Musician

Theodore Jacques Ralli (1852-1909)

ESCUELA FRANCESA SS. XIX-XX

Edouard Louis Dubufe (1820-1883)

Daniel Israel (1859–1901) Surprised

A Jewish Girl of Tangiers, Charles Landelle

Antoine Victor Edmond Joinville (1801–1849) The Sultan’s Favourite Women

Скандал вокруг "Вечера в Каире"

Новость из мира искусства

Иван Айвазовский. Вечер в Каире

2 июня на аукционе Sotheby's началась неделя "русских торгов". Этому предшествовал настоящий международный скандал вокруг картины "Вечер в Каире" великого русского художника Ивана Айвазовского. Работа была написана в 1870 году, после путешествия Айвазовского в Египет, где художник присутствовал на открытии Суэцкого канала. Несмотря на то, что художник очень много путешествовал по странам Средиземноморья, в Египте он побывал только один раз. "Вечер в Каире" - шедевр мастера, поражающий величием предзакатного вида и точными топографическими деталями. На картине изображён панорамный вид на самые известные места Каира - заход солнца над пирамидами Гизы с возвышенности на восточной окраине города.

30 мая стало известно, что Российское бюро Интерпола направило в правоохранительные органы Великобритании запрос с требованием снять картину с торгов, мотивируя это тем, что "Вечер в Каире", выставляемый на продажу Sotheby's, был украден в 1997 году из частной коллекции. Российские СМИ сообщили, что картина не выставлялась с 1950 года, после того как была представлена в Третьяковской галерее. В начале XX века полотно находилось в собственности известного коллекционера Н.И. Дедова, а в 1940-х годах его приобрел контр-адмирал Иван Носенко, занимавший в то время пост наркома судостроительной промышленности. Он увлекался собирательством произведений живописи - занятием необычным для людей его ранга. Коллекционер Носенко выставлял принадлежащие ему работы Айвазовского, Маковского, Саврасова на огромных выставках на Кузнецком мосту. В 1956 году Носенко скончался. Все наследство перешло к жене Тамаре и детям. Один из сыновей Носенко - Юрий, делал карьеру в органах безопасности, ездил в загранкомандировки, в одной из которых остался в США. Вынесенный ему приговор коснулся и памяти его отца. Упоминания о Носенко-старшем, сделавшем достаточно много для становления советского военного и гражданского флота, были вычеркнуты из учебников и энциклопедий. А сын после отсидки в американской тюрьме был принят на работу в ЦРУ и скончался в 2008 году.Аукционный дом Sotheby's, несмотря на заявление российского Интерпола, выставил картину на торги. Представители Sotheby's утверждают, что картины "Вечер в Каире" нет в списках украденных предметов искусства, которые ранее распространило Министерство культуры России, нет ее и в списках международной базы украденных ценностей. Продает картину ее владелица из Британии, которая приобрела полотно в 2000 году на законных основаниях и имеет полное право представить её на торги. Директор отделения Sotheby's в России Михаил Каменский сообщил, что разногласия между нынешней владелицей полотна и семьей Носенко переведены в сугубо финансовую плоскость. А это означает, что спор всё же не окончен, а вещь спешат сбыть. Эксперты Sotheby's рассчитывают, что работа Ивана Айвазовского "Вечер в Каире" станет одной из самых дорогих работ торгов. Ее примерная оценочная стоимость составляет 1,5-2 миллиона фунтов стерлингов. Теперь вопрос заключается в том, рискнет ли кто-то приобрести работу, вокруг которой разгорелся международный скандал.

Кроме названной картины на продажу выставлены ещё несколько картин Айвазовского, одна из них продана в самом начале торгов за 341 тысячу фунтов стерлингов.

Иван Айвазовский. Шторм на Черном море, 1893

Пока писала новость, пришла следующая. Сегодня 2 июня в аукционном доме Sotheby's сообщили, что картина русского художника Ивана Айвазовского "Вечер в Каире", снята с торгов по просьбе российского бюро Интерпола.

Спящая девочка |

Как известно, в начале лета в Лондоне проходит традиционная неделя «русских торгов», на которой четыре аукционных дома — Christie’s, Sotheby’s, MacDougall’s и Bonhams предлагают коллекционерам со всего мира шедевры русского искусства. Новым ценовым рекордом прошедшего вторника стала картина известной русской художницы Зинаиды Евгеньевны Серебряковой (1884-1967) «Спящая девочка», проданная на аукционе Sotheby’s анонимному покупателю за 3.845 000 фунтов стерлингов (5.900 000 долларов). Эта сумма почти в восемь раз превысила оценочную стоимость картины, составлявшую 400 — 600.000 фунтов стерлингов. Таким образом, «Спящая девочка» стала самым дорогим произведением Зинаиды Серебряковой, проданным с аукциона. Размер полотна: 70 x 98 см, техника: холст, масло. Картина была написана в 1923 году и входила в собрание живописи бывшего посла Временного правительства в США Бориса Бахметьева (1880-1951), после Октябрьской революции эмигрировавшего в Америку. Бахметьев приобрел ее на выставке русских художников в Нью-Йорке в 1923 году за 500 долларов. Это одна из последних работ художницы, написанных в России: на деньги, полученные за ее продажу, Зинаида Евгеньевна уехала во Францию, откуда уже не вернулась. «Спящую девочку» можно рассматривать как один из последних шедевров русского периода Зинаиды Серебряковой, а также как прелюдию к серии великолепных ню, которые она напишет уже в эмиграции.

Найденный Саврасов на Sotheby's

Новость из мира искусства

А.К. Саврасов (1830-1897). Волга в окрестностях Юрьевца, 1870. Масло, холст. 126,5 на 207 см

На русских торгах аукциона Sotheby's, проходящих со 2 июня в Лондоне, представлено более 180 живописных работ, рисунков и фотографий, созданнных на протяжении трех веков. Топ-лотом торгов, как ожидается, станет картина Алексея Кондратьевича Саврасова "Волга в окрестностях Юрьевца", долгое время считавшаяся утраченной.

На полотне, ставшем первым масштабным изображением Волги кисти Саврасова, запечатлены волжские бурлаки на фоне предгрозового пейзажа. Картина "Волга в окрестностях Юрьевца" положила начало серии волжских пейзажей, которые художник создавал на протяжении следующих десяти лет. Надпись на обороте картины говорит о том, что она из коллекции профессора Киевского университета, врача Владимира Меринга.По мнению представителей торгового дома, это самая значительная работа Саврасова из когда-либо выставлявшихся на аукционах. Во многих монографиях по творчеству Саврасова можно было видеть репродукцию этой картины, но сама она не выставлялась с 1871 года, когда была представлена на ежегодной выставке-конкурсе Московского общества ценителей искусства. Лишь в прошлом году картина была обнаружена во Франции. Оценочная стоимость картины составляет 1,4-1,8 миллиона фунтов стерлингов.Если бы в ХХ веке полотно Саврасова оказалось в собрании одного из советских музеев , оно наверняка стало бы одним из самых значительных образцов русской ландшафтной живописи XIX века.

Веселая геральдика

На самом деле, конечно, ничего смешного, всё исключительно серьезно.

Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 001r. Parchment, 1 f. 12 x 400 cm. Area of Lake Constance. Around 1330-1345. Zürich Armorial. Source

Например, этот Микки-Маус четырнадцатого века:

2. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

Эта картинка из Цюрихского гербовника /Zürich Armorial (около 1335-1345), хранящегося в Швейцарском национальном музее в Цюрихе, Швейцария.

С XIII века в западноевропейское изобразительное искусство проникают эмоции. В гербах эмоций – полный спектр.

3. Фрагмент части 4 / Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004r

Гербовники – собрания блазонов, т.е. описаний, либо изображений гербов в виде кодексов или свитков, появились в Западной Европе в XIII веке. В XIV-XV веках система геральдической кодификации в виде гербовников стала традиционной. Гербовники продолжали составляться в XVI-XVIII веках. Современное гербоведение различает: гербовники «по случаю» – созданные в связи с какими-либо конкретными событиями военного или политического характера: осадой, турниром, походом, договором и т.п.; институциональные; всеобщие; систематизированные (упорядоченные) и «вторичные».

4. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004r

Цюрихский гербовник – один из "всеобщих" гербовников.

Всеобщие, или универсальные, или, как их иногда называют, провинциальные гербовники объединяют гербы некоего «универсума»: всего королевства или даже всего христианского мира в представлении создателей "документа". Всеобщие гербовники почти всегда – плод многолетнего творчества коллектива герольдов.

5. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

Цюрихский гербовник, один из старейших сохранившихся в оригинале, является одним из самых важных и необычных документов средневековой геральдики, блистательное произведение и геральдического, и художественного творчества.

6. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003v

Цюрихский гербовник /Wappenrolle von Zuerich; Zuercher Wappenrolle; Rôle de Zuerich имеет международное научное обозначение: WZ, ZWR, ZUR.

В настоящее время он состоит из четырех частей различной длины, которые могут быть объединены в один четырехметровый свиток.

7. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

Иллюстрации располагаются на обеих сторонах пергамента. Цюрихский гербовник содержит 559 гербов высшего и мелкопоместного дворянства из Северной Швейцарии, Южной Германии и Западной Австрии. Гербы большей частью германской, а также высшей европейской знати, в т.ч. легендарные. Гербы состоят из щитов с шлемами и шлемовыми эмблемами. Имена даются рядом с каждым щитом. Кроме того, есть 28 знамен немецких епархий и монастырей (илл.26).

8. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 001r

Четыре сохранившихся части состоят из тринадцати пергаментных листов, сшитых вместе. Нумерация гербов в оригинале относится к 16-17 векам.

9. Фрагмент части 1 / Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 001r

Часть 1 (36,5 см) содержит 22 герба знати (1-22) на лицевой стороне и 28 гербов епископств и монастырей на оборотной стороне.

10. Фрагмент части 3 / Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003r

Части 2 и 3 (255,5 см) были сшиты вместе в 1930 году. Часть 2 состоит из четырех пергаментных листов, содержит гербы 23-104 и 108-114 на лицевой стороне и гербы 214-220, 224-308 на оборотной стороне. Часть 3, состоящая из трех сшитых пергаментных листов содержит гербы 105-107, 115-162 на лицевой стороне и гербы 163-213, 221-223 на оборотной стороне.

11. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004r

Часть 4 (109 см), состоящая из пяти пергаментных листов, сшитых вместе, содержит гербы 309-378 на лицевой стороне и гербы 379-450 на оборотной стороне.

12. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003r

Гербовник является неполным. Отсутствующая часть – четвертая должна содержать еще 109 гербов, которые известны из копии - свитка конца 18 века. Сайт Virtual Manuscript Library of Switzerland, содержащий оцифрованную версию манускрипта и официальное описание, говорит только об этой копии.

13. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004v

Заведующий Центром гербоведческих и генеалогических исследований Института всемирной истории РАН Александр Черных сообщает о четырех копиях XVI-XIX вв., две из которых в частных собраниях. "Существуют копии XVI и XVIII вв., причем последняя выполнена в стиле XIV в. и обе они содержат исчезнувшую часть оригинала со 108 гербами." [1]

14. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003v

Многие из гербов по происхождению тяготеют к региону Боденского озера, на основании чего делается вывод о вероятном месте создании Цюрихского гербовника. Причины создания и авторство Цюрихского гербовника неизвестны.

15. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003v

Всего в XIV в. наиболее известных «классических» гербовников в Западной Европе создано немногим больше 70. По сравнению с тремя десятками гербовников, появившимися за вторую половину XIII в., когда это явление возникло, в количественном отношении не очень много.

16. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

"Гербовники XIV века свидетельствуют о повсеместном распространении института герба и активном развитии геральдики как социальной системы визуальных признаков. Само наличие гербовников – показатель особого положения визуальной культуры в обществе XIV в.

17. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

Нет сборников, допустим, печатей, или сборников оружия, но изображение гербов и сведение их в некие единые комплексы считается вполне достойным того, чтобы тратить на это пергамен и труд." [1]

18. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

19. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

20. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003v

21. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003r

22. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004r

23. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 002v

24. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004v

25. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 001r

26. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 001v

То что в гербовнике из Цюриха сочетаются знаменные и щитовые формы гербов, по мнению того же Александра Черных, свидетельствует скорее в пользу отсутствия принципиальной разницы между ними. [1]

27. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 003r

28. Zürich Armorial. Zürich, Schweizerisches Nationalmuseum, AG 2760, fol. 004v

Zürich Armorial, вероятно, создан в Цюрихе или в районе Боденского (Констанцского) озера /Lake Constance. Время создания может быть отнесено к периоду между 1330 и 1345. Гербовник принадлежал историку и натуралисту из Цюриха Иоганну Якову Шейхцеру (1672-1733) /Johann Jakob Scheuchzer, позже стал частью коллекции антикварного общества Цюриха, а затем и Швейцарского национального музея.

29. Манесский кодекс. Гейдельбергский университет / Codex Manesse, UB Heidelberg, Cod. Pal. germ. 848, fol. 8r: (der fiktive) König Tyro von Schotten. Ca. 1300 bis ca. 1340 / between 1305 and 1315. Source

Стиль исполнения Гербовника из Цюриха напоминает знаменитейший Манесский кодекс /Codex Manesse – сборник поэтических произведений германских миннезингеров, содержащий 137 миниатюр, созданный чуть раньше, но также в Цюрихе, или в Эльзасе уроженцем Цюриха.

30. Codex Manesse, UB Heidelberg, Cod. Pal. germ. 848, fol. 178r: Herr Bernger von Horheim. Ca. 1300 bis ca. 1340 / between 1305 and 1315. Source

Кодекс Манессе /Codex Manesse, Manessesche Liederhandschrift, известен также под названиями «Большая Гейдельбергская рукопись» /Grosse Heidelberger Liederhandschrift и «Гербовник миннезингеров», имеет международное научное обозначение: MA, MAC. Составлен около 1300 г. (по мнению О. Нойбеккера), или, вероятнее всего, в 1300-1340 гг, возможно в 1305-1330 гг. Хранится в Университетской библиотеке в Гейдельберге, Германия. Есть копия начала XVI в. из коллекции Р. Гэньера в Национальной библиотеке в Париже со 117 гербами.

Манесский кодекс относят к «вторичным» гербовникам, поскольку миниатюры манускрипта сопровождаются гербами. В Кодекс Манессе 135 гербов.

«Вторичные» гербовники – это собрания гербов в литературных или других повествовательных (нарративных) произведениях, либо иных творениях художественной культуры.

Кодекс Манессе объединен в один сборник из разных маленьких собраний Рюдигером и Иоханессом Манессе. Существует близкий ему по времени и содержанию Констанц-Вайнгартерский кодекс начала XIV в. c 20 гербами.

Манесский кодекс – один из самых известных манускриптов в мире.

Павел Челищев на русской неделе Sotheby's

Новость из мира искусства

Павел Челищев. Французский театр. Масло, холст, 74 на 100,5 см

Аукционы - это редкая возможность познакомиться с неизвестными ранее произведениями хорошо известных и любимых художников или узнать об интересных художниках, о которых ранее было известно совсем мало. Тем более, что, может быть, в дальнейшем увидеть эти картины будет нельзя. Например, если они уйдут в частные коллекции, и их владельцы не будут представлять эти работы для экспонирования на выставках. На русских торгах, проходящих в Sotheby's со 2 июня, как раз выставлены на продажу картины такого художника, творчество которого представлено в наших музеях не так уж широко.

Художник Павел Челищев был открывателем новых путей в живописи в первой половине XX века. В Европе и Америке его творчество очень ценили и восхищались им, называя "русским Дали". Почти все его работы ушли в первый день торгов русской недели.

Павел Челищев (1898 - 1957). Мужской портрет. Гуашь, бумага, 49,5 на 38 см

Павел Федорович Челищев родился 3 октября 1898 года в селе Дубровка Калужской области, в семье помещика. Первым учителем Челищева стал отец, математик по образованию. Он познакомил Павла с геометрией Лобачевского, которая привела будущего художника к идее "внутренней мистической перспективы". Отец всячески поощрял стремление сына к живописи и даже выписал журнал "Мир искусства". Когда ранние пейзажи Дубровки работы Павла показали Коровину, тот сказал: "Мне нечему его учить. Он уже художник".После 1918 года многодетная семья Челищева была выселена из своего имения, и Павел Челищев оказался в Киеве, где брал уроки у Экстер. Несколько позже он эмигрировал в Стамбул, а затем перебрался в Париж. В Париже Челищев стал известным театральным художником труппы Дягилева.Перед войной художник эмигрировал в США. В 1942 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке состоялась его персональная выставка. Именно в США Челищев достиг мировой славы как живописец. В 1949 году, вернувшись в Европу, он жил в Италии. В 1957 году Павел Федорович Челищев скончался от инфаркта, принятого за воспаление лёгких, во Фраскати близ Рима, где и был вначале похоронен в православной обители. Затем его сестра Александра Заусайлова (Челищева) перезахоронила его прах во Франции на кладбище Пер-Лашез, но первое место захоронения сохранили.

Павел Челищев. Купальщики. Гуашь и тушь, бумага, 33,5 на 23,5 см

Павел Челищев. Купальщики-I. Гуашь и тушь, бумага, 66 на 48 см

Павел Челищев. Испания. Гуашь, бумага, 73,5 на 102,5 см

Павел Челищев. Бой быков, Гуашь, бумага, 105 на 75 см

Павел Челищев. Пара ню. Сепия,бумага, 25,5 на 20,5 см

Павел Челищев. Оркестр. Тушь, бумага. 26 на 20,5 см

Павел Челищев. Отдыхающий клоун, 1930. Гуашь, бумага, 38,5 на 78 см

В галерее "Наши художники" на Рублевке представлен ряд картин из наследства Константина Кедрова, полученного в начале 70-х. Среди них знаменитый автопортрет маслом и чрезвычайно редкие пастельные портреты сестер Софи и Марии, выполненные юным Челищевым в 1914 году в Дубровке. Другие пастели переданы К. Кедровым в Русский Музей в 1986 году. В Нью Йорке работы Челищева есть в частных коллекциях Розенфельда, Майкла Кроуэла и Лукаса.Зимой 2007 года в галерее "Наши художники" на Рублевке состоялась первая выставка Павла Челищева в России. 30 сентября 2008 года в Русском Зарубежье состоятась презентация фильма "Нечетнокрылый Ангел" по сценарию К.Кедрова и Н.Зарецкой, режиссёр Ирина Бессараб, ведущий К.Кедров. С помощью труппы "Кремлевский балет" воссоздана версия балета с оформлением Челищева "Ода", поставленного в 1929 году труппой Дягилева в Париже с участием Мясина и Лифаря.

ЕВРЕЙСКИЙ АКЦЕНТ В РУССКОМ АВАНГАРДЕ. Часть 2.

И завыли по-волчьи запасники:«Мы – не частники. Мы не участникив гнусной краже искусства России.В склады краденого нас превратили…Чем вас живопись так испугала,если прячут в подвалах Шагала. И устои Кремля исполинскогорухнут,если покажут Кандинского?»Евгений Евтушенко. 1971.

Как мы уже говорили в первой части, в СССР еврейство не было поставлено перед выбором между интернационализмом и поиском культурной идентичности, но это справедливо только вплоть до возникновения Государства Израиль. Во время же сталинской кампании по борьбе с космополитизмом и после ее прекращения евреи оказались под подозрением в скрытой лояльности Израилю. А после разрешения евреям выезжать в Израиль каждый из них стал автоматически рассматриваться властями и окружающими как потенциальный эмигрант. Это отталкивало еврейских художников в сторону нонконформизма, приводило их к внутренней эмиграции, и часто - к вынужденному отъезду из страны. Полуофициальный статус евреев как потенциальных эмигрантов создал психологическую дистанцию между ними и остальным советским населением. Они оказались, по меткому определению Бориса Гройса, "на краю или в углу", это положение дистанцирования от советской действительности приводило к появлению двух направлений в еврейской культурной среде: к поискам еврейской национальной идентичности, что наблюдалось у многих художников 60-70 годов, и к выходу в "универсальное", к насмешливой игре с символикой и идеологией социализма, к неприятию массовой культуры и к уходу в нонконформизм у большинства художников 70-80 годов.

Художник Михаил Гробман говорит о "втором русском авангарде так: "Нас называли диссидентами, нонконформистами, давали самые нелепые названия, в основном придуманные западными журналистами. Я ввел термин «второй русский авангард», и долгое время его никто не принимал, предпочитая другие названия. Теперь все пользуются этим термином. "Началом второго авангарда можно считать 1957 год, когда в Москве в во время международного фестиваля молодежи и студентов прошла выставка произведений современного западного искусства. Знакомство с этим искусством оказало огромное влияние на творчество многих советских художников: идеи европейских и американских художников оказались толчком к созданию своей новой эстетики. По мнению Гробмана, только они, а не просто подражатнли западным образцам имеют право называться настоящими авангардистами.

Михаил Шварцман (1926-1997), представитель второй волны русского авангарда, художник-монументалист, мистик и философ, педагог, великолепный график, родился в семье нэпмана. После окончания эпохи НЭПа семья вынуждена была скрываться от преследований власти, отца репрессировали и он вскоре погиб в лагере, мать сослали в Сибирь, а мальчика отдали в интернат, откуда он прямиком ушел в армию в 1944 году.

Демобилизовавшись в 1950 году, Шварцман учился в Строгановском училище, после блестящего окончания которого занимался оформлением книг, промышленным дизайном, рисовал плакаты. У него сложился свой стиль «другого искусства», не похожий ни на один из существовавших в то время.

Свои произведения художник стал называть «иературами», а свою концепцию – «иератизмом», производя этот термин от древнегреческого hieros – «священный», «знаковый» – и считая ее «языком третьего тысячелетия». «Это Структурный Закон Универсума, первопринцип, по которому строится многоуровневая иерархия космогонических сил и начал. Иература проявляется визуально как система кодов, определяя взаимодействия пространства-формы-света-поверхности. "

( если честно, я ничего не поняла ни в определении, ни в самих работах, видно, мне не дано). При жизни Шварцман почти не продавал своих картин, только после его смерти в 1997 году его работы вошли в наиболее значительные, в основном частные, собрания «неофициального» искусства,

а в России первая персональная выставка шварцмановских иератур состоялась в 1994 году.

Оскар Яковлевич Рабин (рожд.1928), знаковая фигура советской независимой культуры, возникшей в эпоху «оттепели», родился в Москве в семье врачей, рано остался сиротой, учился в студии Е.Кропивницкого, который в годы войны заменил ему родителей. Затем учился в Рижской Академии художеств, в эти юношеские годы увлекался романтизмом.

В 1948 Рабин поступает сразу на 2 курс Суриковского училища в мастерскую Сергея Герасимова, но уже через год его исключают за "формализм"и он возвращается к Кропивнцкому, вокруг которого создается "Лианозовская группа". Лагерный барак, в котором жили в Лианозово Оскар с женой, Вылентиной Кропивницкой, становится центром притяжения творчесой интеллигенции, очагом неофициального искусства, как позже и их квартира в Москве, где устраиваются выставки, вечера поэзии, получившие известность на Западе.

Рабин, продолжая традиции европейского импрессионизма 20-х годов и желая отразить абсурдность, антигуманность среды обитания советского человека, использует в своих работах искажение перспективы, деформацию предметов, нарушения масштаба. Они производят мрачное, гнетущее впечатление, недаром на Западе его называли "Солженициным в живописи". Пресса критикует Рабина за "очернение Советского Союза, депрессивность картин, подыгрывание буржуазным критикам социализма".

"Смутный, перепуганный, неврастенический мирок встаёт в холстах художника. Скособоченные дома, кривые окна, селёдочные головы, измызганные стены бараков — всё это выглядело бы заурядной предвзятостью обывателя, если бы не было перемножено с многозначительной символикой бессмысленности."— «Советская культура» 14 июня 1966 года.

После того, как в 1974 году Рабин был инициатором и участником "Бульдозерной"и "Измайловской"выставок, он был обвинен в тунеядстве, постоянно подвергался нападкам, а после санкционированной властями поездки во Францию в 1978 году, был лишен гражданства и вынужден был остаться в Париже. Только в 1991 году, после возвращения ему годом раньше гражданства, состоялась его первая выставка в Москве, в Третьяковской галерее. ( Просто к сведению, как пример: в 2007 году продано 28 работ Оскара Рабина на общую сумму 1.339.106 евро.)

Жутовский, Борис Иосифович (рожд.1932)родился и живет в Москве. Закончил факультет художников книги Полиграфического института. "Человек широкой культуры, поистине безграничных интересов, веселый остроумец, на долю которого судьбой была отпущена полная мера болей и трагедий, байдарочник-путешественник и альпинист, философ и литератор, живописец и график, иллюстратор. Он — профессионал, для которого «святое Ремесло» всегда с большой буквы. "(Нина Геташвили). Сам он рассказывает о себе: "Мой отчим – из дворянской семьи на Тамбовщине. Когда ему был 21 год, случилась революция. Трижды он поступал в университеты, но его выгоняли, потому что он не был пролетарием.""У одного прадеда было 15 детей, все работали в Белоруссии на железной дороге. Другой прадед по дедовой линии жил в деревне под Ржевом и занимал лапти, чтобы пойти на свадьбу в церковь. Как страна жила, так и семья жила. Молчали. Жить было страшно. Страх – доминанта жизни Советского Союза. Страх немного отступил, когда умер Сталин."

Знаменитая Выставка в Манеже в декабре 1962 года и личный скандал с Н. С. Хрущевым: «А кого изобразил Б. Жутовский? Урода! Посмотрите на его автопортрет. Напугаться можно. Как только не совестно человеку тратить свои силы на такое безобразие. "Н.С.Хрущев."Когда мы вышли из Манежа, у нас было ощущение, что стоят воронки и нас сейчас заберут. Страх. Но за этим ничего толком не последовало. Уже не сажали.Но два года я был без официальной работы."И 17 лет в СССР не выставлялся, но триумфально был экспонирован во многих городах мира.

"Через 8 лет Хрущев вдруг пригласил меня на свой день рождения (оказалось - последний) и сказал мне: "Ты на меня зла не держи; кто меня в Манеж завел – не помню". И добавил: "кто-то из больших художников сказал мне "Сталина на них нет", я так разозлился на него, а стал кричать на вас". Лукавство. Политики – это отдельные животные.""Первая персональная выставка у меня была в 58 лет. Это было в 90-м году в Доме художника. За два года до выхода на законную пенсию. Такая страна! Но я, между прочим, иногда жалею о переменах. Потому что в то время я имел сопротивление. Было через что пробиваться! У меня были враги. А теперь я сам по себе."

Его серия "Последние люди империи"содержит более двух сотен графических портретов видных деятелей второй половины 20 столетия, писанных с натуры. Со многими из них художник Борис Жутовский был в хороших личных и даже дружеских отношениях.

". На стене прозвенела гитара,Зацвели на обоях цветы.Одиночество Божьего дара -Как прекрасно и горестно ты!"Александр Галич.

"Живопись - это же любимая игра! Она должна доставлять удовольствие и мне, и тому, кто на это будет смотреть. Я не хочу быть лучше кого-то, это само по себе должно быть вкусно. Живопись должна источать энергию. А иначе — зачем?"

Эдуард Штейнберг (рожд.1937)родился в Москве, учился рисованию только в детском художественном кружке, а затем у своего отца, выпускника ВХУТЕМАСа, который и передал сыну традиции русского авангарда, эстетику и идеи русского супрематизма. Главный французский эксперт по русскому искусству Жан-Клод Маркадэ пишет о нем: «Абсолютная оригинальность Штейнберга состоит в том, что он создает картины-иконы, изобразительные элементы которых приобретают аспект сверхчувственного. Во многом он развивает идеи Казимира Малевича. "Но по мнению самого художника его программа - "синтез супрематических форм и мистических идей русского символизма 10-х годов".

Ирина Кулик так пишет о его творчестве: "Он отказывается видеть в пересечении линий простую геометрическую форму и обязательно усматривает в ней христианский крест. Но и сам этот слегка покосившийся крест уже не хочет быть религиозным символом, а обязательно предполагает погост, вслед за которым в абстрактное полотно просачиваются избы, вороны, силуэты баб в платках и мужичков в картузах."

Язык геометрической абстракции оказался актуальным для мирового культурного контекста, но мне не дано понять этого вида искусства, я допускаю, что это может нравиться, что некоторые понимают глубинный скрытый смысл изображаемого, но.

Янкилевский Владимир Борисович (рожд.1938)родился в Москве, начинал обучение живописи у отца - художника, затем в художественной школе при институте Сурикова и в Полиграфическом институте. В 1962 году, вместе с другими художниками - нонконформистами участвовал в знаменитой выставке "30 лет МОСХа"в Манеже, где его картины раскритиковал Хрущев.

С тех пор и до 1978 года, когда состоялась его первая выставка в Москве, он работает в разных издательствах как художник-дизайнер. Сам он называет свое творчество "эпической экспрессией", когда "чувственность и эротизм соединяются с высочайшим уровнем концептуализации действительности". Главная тема его творчества - Человек на фоне Вечности, взаимодействие женского и мужского начала в мире, которое "очеловечивает"мировую гармонию.

Сегодня работы Владимира Янкилевского представлены в главных российских музеях и ведущих музеях мира, с 1989 года он живет и работает в Нью Йорке и Париже, иногда - в Москве.

Илья Кабаков (рожд.1933)родился в Днепропетровске в семье слесаря и бухгалтера. С началом войны эвакуировался с матерью в Самарканд, учился там в московской художественной школе, затем был переведен в Москву и после ее окончания учился в Суриковском институте на отделении графики. Начинал свою художественную карьеру молодой Кабаков иллюстратором детских книг. С конца 50-х он стал заниматься живописью для себя, а в 60-х - стал активно участвовать в нонконформистских выставках в СССР и уже с 1965 года некоторые его работы экспонировались на выставках неофициального искусства в Европе. В 80-х годах Кабаков меньше занимается графикой, увлекается инсталляцией и начинает одну из своих самых известных работ - «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», над которой работал 4 года.

В 1987 году он получает первый зарубежный грант от австрийского культурного фонда, а в 1989 после получения немецкой стипендии по академическому обмену переезжает в Берлин, а затем в США. Тогда же он начинает работать и выставляться вместе со своей женой Эмилией, тоже художницей. У Кабакова с тех пор прошло большое количество выставок в знаменитых музеях мира, в том числе в МоМА, Центре Помпиду, на Венецианской биеннале и других. В России начал выставляться с 2000 года, является почётным членом Российской академии художеств. После большой выставки «Russia!» в 2006 году музее Гуггенхайма, когда его инсталляция экспонировалась рядом с иконами Рублева, картинами Репина, Брюллова, Малевича и других "великих", он стал считаться зарубежом одним из самых известных русских художников конца 20 века. Для примера: работа Кабакова "Жук"была продана на аукционе в 2008 году за 5,84 миллиона долларов.

"Жук"в русском советском языке того времени – это не только визуальная метафора драгоценного камня в красивой оправе, но и обозначение хитрого человека, умеющего делать деньги. Серия «глянцевых» картин, к которой принадлежит «Жук», позволила Кабакову интегрировать в свое искусство умение соблазнять и удерживать зрителя иллюзорностью, что он позже использовал в своих проектах инсталляций." ( Екатерина ДЁГОТЬ).В сентябре 2013 года в Москве состоялось открытие на Пионерском пруду Парка Горького художественного проекта Ильи и Эмилии Кабаковых «Корабль толерантности», более 300 школьников Москвы приняли участие в создании паруса для него.

«Художественный проект “Корабль толерантности” – это диалог, образец современного паблик-арта. “Корабль толерантности” обращен ко всем, а не к избранному кругу интеллектуалов, – считает Илья Кабаков. – Главное здесь – тема толерантности: не показать самого себя, чего хочет каждый взрослый или ребенок, а показать, что другой точно такой же, как и ты.».

Олег Целков (рожд.1934), родился в Москве в семье экономистов. "Отец у меня - из подмосковных крестьян, а мама из евреев, из Белоруссии. Я - живое воплощение могучего русско - еврейского единства. Время было гадкое," - говорит он о тех послевоенных годах. Неожиданно для себя самого юный Целков был принят в художественную школу для одаренных детей. "Таких школ было всего три на весь Союз. В Москве, Питере и Киеве. Сорок девятый год. Только что разогнали безродных космополитов. И тут появляюсь я…", - рассказывал он позже.Потом Целков учился в Минском художественном институте и в Академии художеств имени Репина в Москве, был исключен, но закончил образование в Институте театра и кино.

Первая его "квартирная выставка"состоялась в 1956 году, а начиная с 1960 года он нашел и остался навсегда верен своей главной теме - лица-личины-маски. Олег Целков говорит: «. В живописи я подкидыш, бастард, сирота. Для меня не было и нет ни учителей, ни правил. Единственный закон - это я. Я и начало, и конец бытия. Главный судия это тоже я. Когда я в шестидесятом году написал впервые своего Морда - так я назвал потом этого странного героя, - то обалдел. Это был не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий, всех вместе в одной роже - и до ужаса знакомой. То есть я, сам того не ведая, случайно стянул маску со всех лиц сразу".

Первая официальная персональная выставка Олега Целкова прошла в 1965 году в Институте им. Курчатова и продержалась 2 дня, вторая в Доме Архитектора была закрыта через 15 минут после открытия, но с 70-х годов его работы выставляются и продаются в Европе и США.

В 1977 году он покидает СССР (по настойчивому "ппредложению"властей), живет в Париже, так и не приняв французского гражданства. Только в 2004 году впервые в России прошли его выставки, а в 2014 году - большая юбилейная выставка Олега Целкова «Бубновый туз».

"Я не могу иметь конкретных претензий ни к одному человеку, но я имею более чем конкретную претензию к массе людей, которые друг друга унижают, мучают, отправляют на тот свет.Эти претензии я вправе иметь и к прошлому, и к настоящему, и к будущему." - Олег Целков.

Виталий Комар (рожд.1943)родился в Москве в семье военных юристов. После детской художественной школы учился Строгановском училище. Там он познакомился с Александром Меламидом (рожд.1945), родившимся тоже в Москве в семье историка и публицистки. Уже с конца 60-х годов они начали работать вместе, и вскоре стали известны как основатели художественного течния "соц-арт", параллельного западному "поп-арту", некий синтез соцреализма и дадаизма, пародия на официальное советское искусство, его идеологию и образы современной массовой культуры.в СССР.

Художественный язык этого направления - ирония, гротеск, эпатаж, игра с символами и образами советской политической агитации. «Если поп-арт был порожден перепроизводством вещей и их рекламы, то соц-арт был порожден перепроизводством идеологии и ее пропаганды, включая пропаганду визуальную…»-Виталий Комар. В 1974 году Комар и Меламид были участниками знаменитой "Бульдозерной"выставки, а в 1978 году эмигрировали в Израиль, а уже оттуда в США.

В 1982 году состоялась их первая успешная выставка соц-арта в США, а в 1983 году МоМА и Метрополитен купили несколько их картин, они участвовали в концептульных проектах, сочетающих скульптуру, музыку, живопись и поэзию, стали первыми русскими художниками, получившими финансирование от Национального фонда искусств.

У них было множество различных проектов, иногда экзотических, как обучение рисованию слонов в Тайланде, организация исследований процесса избирательных кампаний или создание оперы "Голая револоюция"о Вашингтоне, Ленине и Дюшане. В 2004 году после того, как у них было 60 персональных и примерно 70 групповых выставок, они прекратили сотрудничество, каждый пошел своей дорогой. «Комар и Меламид заимствовали элементы официального мифа, переосмыслили его и предложили новый набор культурных парадигм». Маргарита Тупицына.

Михаил Гробман (рожд.1939)родился в Москве, заканчивал вечернюю школу, работая каменщиком на стройке, учился в Мухинском художественном училище, там же прошла в 1959 году его первая персональная выставка. Тогда же появилось выражение «к Мише Гробману в Текстильщики» – этот адрес был известен в широких кругах поклонников неофициального искусства 1960‑х и в КГБ.

Там в деревянном бараке, где он жил с женой и двумя детьми, был центр тогдашнего современного искусства, сюда приходили художники и поэты, здесь читали стихи, пили чай и кое-что покрепче. Сюда приходили коллекционеры, западные журналисты, русские эмигранты и зарубежные искусствоведы. Кабаков говорил о художниках этой группы так: «Самоубийственность удара, гладиаторство, риск, умирание в акте свойственны работам этой группы. Окончательно бескомпромиссные – вот главное впечатление от их работ. Подозревать, что они были сделаны для покупателей, тут невозможно».

Многие из них занимались саморазрушением, ходили "по краю", Гробмана удерживала от этого любимая жена и дети, он был для остальных «отцом и матерью и коллекционером». Он имел дар оценить качество работ, сумел увидеть их место в исторической перспективе, он дал определение направлению этой группы художников как «второй русский авангард".

К концу 60- годов, после Новочеркасска, Берлинской стены и танков в Праге перед многими евреями оставался только один выбор - национальное самоопределение. И Гробман, который и до этого жил в пространстве еврейской культуры, его сделал, одним из первых, уехав в 1971‑м в Израиль. Уже в Израиле он создал художественную группу "Левиафан", в основании которой лежали три главных "камня" - примитив, символ и буква.

в Израиле он ничуть не утратил своей бескомпромиссности и страстности. Гробман пишет: «Народность и религиозность – две колеи нашей дороги. Дороги к новому еврейскому искусству, достойному чуда возрождения Израиля».

Гриша Брускин (рожд.1945), родился в Москве, в большой семье (пять детей), учился в Текстильном институте и уже в 24 года был принят в Союз художников, но выставки его запрещались (например, в 1984 выставка Гриши Брускина в Центральном Доме работников искусств закрывают на следующий день , он практически не был известен публике.

Но в 1988 году на московском аукционе «Сотби» его работа «Фундаментальный лексикон» продана за рекордно высокую цену (930.000 долларов).

Он становится сразу знаменит, получает несколько зарубежных предложений и уже через неделю уезжает по культурному обмену в США, где и остается. У Брускина две основные темы творчества, первая - Книга (ТАНАХ и Каббала),он создает огромный 11-метровый гобелен, на котором вытканы 160 фигур еврейского фольклора, библейской и каббалистической мифологии.

и вторая тема - социальная мифология советского времени, закат империи. «Брускин рассматривает процесс заката советской империи в перспективе Ветхого Завета, обещающей закат и падение всех империй. Но в то же время его увлекает прежде всего эстетическая сторона этого упадка — эстетика упадка как таковая.» - Борис Гройс. Сам Брускин говорит о своем творчестве так: "То искусство, которым я занимаюсь, родилось в большой степени из чтения книг. Я считаю, что это – еврейский способ обращения к искусству. "

Живет Брускин сегодня в Америке, произведения его находятся в крупнейших музеях мира, а сам он считается одним из наиболее известных русских художников на Западе. Заканчивая этот небольшой обзор русского авангарда и вклада в него художников еврейского происхождения, можно с некоторой долей юмора сказать, что в свое время евреи хотели походить на всех остальных, но все‑таки дождались времени, в котором все остальные начали походить на евреев. И еще пару слов о музыке, которая сопровождает оба мои видеоклипа к теме. Она принадлежит не очень известному в наше время композитору Артуру Лурье (1892-1966), хотя когда-то В.Маяковский провозгласил:"Тот дурьё, кто не знает Лурьё!". В начале века имя этого композитора и музыканта гремело не меньше, чем имена Прокофьева или Стравинского. Но известен он был не только своей музыкой и исполнительским мастерством, но и своим романом с Анной Ахматовой. Они прожили вместе всего несколько лет, пока композитор не принял решение уехать на Запад. Списаться снова они смогли почти через полвека. Итак, вы можете посмотреть тут видеоклип ко второй части

Жанна Маммен — летописец Веймарского Берлина. Окончание.

Жанна Маммен — летописец Веймарского Берлина. Окончание

Жанна Маммен(1890-1976). Автопортрет из 20-х годов и фотография за год до смерти.

Как писал автопортрет Народный или Заслуженный художник СССР? Тёмный костюм, белая рубашка, строгий галстук. Взгляд орла воспитанного партией, значки депутата какого-нибудь Верховного Совета и лауреата одной из двух верхних премий. Звезда Соц.Героя, а? Как и для чего пишет автопортрет просто художник? Рембрандт только маслом написал 70 (Семьдесят. Кажется с маленьким хвостиком). Художник пишет автопортрет, чтобы разобраться в себе самом (самой), чтобы понять какие в нём случились перемены и куда он хочет или даже обязан двигаться дальше. Талантливый жулик Дали, когда искал пути-дороги, в первом году в Академии художеств написал всего лишь за месяцы четыре (а то и пять. Уже не всегда работает память.) автопортретов и все они были в разных, просто в полярных стилях.

Вы видите автопортрет Жанны Маммен в её лучшие творческие годы. И это были годы её всегерманской и европейской знаменитости. Но нет никаких приглаживаний. Сатира в этом автопортрете злее и остреечем в её сатирических работах. Неудивительно, что она уже стала к тому времени и оставалась одним (одной? Эй, грамма-наци! В каком роде её здесь писать?), из всего лишь нескольких,лучших карикатуристов(ок?) нравов и реалий Веймарской Германии.

Флэппер. 1931. Жанна Маммен(1890-1976). La Garconne. 1931 (the flapper)

Вот снова флэппер. Флэпперы были что-то с чем-то. Вообще-то, если не говорить об издержках производства (всегда есть, не так ли?), они были замечательным и полезным явлением.Конечно товарищи типа Скотта Фицджеральда чуток романтизировали образ (и даже не чуток, наверное), но это уж как всегда водится насчёт моднячих на тот момент девиц и дам. Я знаю одну докторшу наук и одну дочку из русской Академии наук, которые бы дали немыслимого жару (ну по крайней мере не ниже чем до небес!), если бы жили в эпоху флэпперов.Как же повезло их достойным мужьям, что эти дамочки не поймали их на крючок в 20-х годах где-нибудь в Европейских Парижах.

Флэпперов отличала энергичность и динамичный стиль жизни. Уже то, что они вместе с Шанель освободили тело женщины от жутких пут обязательной моды в обществе перед Первой войной, есть настоящее,а не условное — достижение.Вот. Я когда-то удачно повозился с одной старой фотой и показал те моды-оковы.

Мода в Париже. 1913 . Photographer: Gustave Martin. Fashion in Paris. 1913

Это же была бесперерывная война против полезных для здоровья занятий сексом.

Флэпперы были разные и это интересная эпоха. Они начались вполне ещё до Первой войны, когда в России правил бал насквозь развратный и полностью развращённый "Серебряный Век", естеством которого БУКВАЛЬНО, а не фигурально стало извращённое . лядство, о сути которого Блок в 1911 (или в 10-ом) году в ужасе написал, что никогда ещё всякие творческие люди его круга (Мережковские, Розановы, Гиппиусы и т.д.) не падали так низко.

Флэпперы в России, по-настоящему, появились в 20-е средние годы во время их расцвета в Европах. Это не были только дамы и девицы из нэпманских семей, как нам потом представляли подчинённые Жданова и Суслова. Но это уже совсем разговор не о том. Почитайте, что ли.

У стойки бара. (Девушки из Армии спасения) 1926 At the Bar (Salvation Army Girls),Jeanne Mammen(1890-1976)>

Сегодня/вчера дамочка Елена Хайнер ( lenkaolenka ) написала пост прямо к этой моей статье. Она объявила, что во всём что произошло и происходит в Украине виноват Американский Piece Corps (Корпус мира). АГА! ХА-ХА-ХА!!

Оказывается представители Корпуса Мира в Украине уничтожили страну. Я конечно не шучу. Ниже дам ссылку. И эта дама Елена Хайнер потребовала изгнать Piece Corps с её родной Украины, пока они не сделали тоже самое с её неродной Россией. ХА-ХА-ХА-ХА!! Счас(sic) вы это прочтёте сами по ссылке. Дорогие Россияне, бойтесь "данайцев дары приносящих" или о "мирных путешественниках - иностранцах"

Поговаривают даже о том, что её программу обучения музыке придумал программист, которого она засудила и отсудила всё себе. Но такие разговоры возникают почти всегда.Пока нет солидного источника/подтверждения, не трепите языками.

А на работе Жанны Маммен девочки из Корпуса мира оттягиваются после рабочего дня, но мальчиков пока не видать. Наверное можно безболезненно заметить, что молодое бабьё уже неслабо вмазало за дело мира, не так ли?Вот так они наверное развращали Украину.

Уличные проститутки в высоких сапогах Jeanne Mammen(1890-1976)

В "Трёх товарищах" уличная проститутка стягивая именно такие высокие сапоги, говорит главному герою, (примерно) что пока заработаешь на такие сапоги нужно обслужить вагон козлов. Мне было 13 лет и меня эти детали просто незабываемо заинтересовали.

Без подписи. Жанна Маммен(1890-1976),Карандаш, акварель.

Был грузинский талант в экспрессионизме, Шалва Кикодзе. Эта работа Маммен созвучна с тем как Кикодзе показал парижские кафе. Но Кикодзе бывал мягче чем Маммен, и он был куда жёстчеи острее чем Маммен.Кликните, не пожалеете. Я конечно не настаиваю. Вы, товарищи молчаливые сфинксы, мне вообще все до одного по барабану, после того, что никто не поддержал меня и Чехова. НИКТО!Я скажу на эту тему в конце или завтра-послезавтра. Пора уже мне решиться на что-то.Шалва был настоящий талант. Мне очень хорошо с его работами. Но жизни Кикодзе было примерно (не знаю по месяцам) столько, сколько и у Лермонтова.

Без названия. Jeanne Mammen(1890-1976)

Года нет, но если мы посмотрим на жуткую худобу девушки и на то какими глазами она смотрит в тарелку, то можно смело сказать, что Великая депрессия уже началась.Германию этот ужас ударил больше всех держав. В нации в 63-64 миллиона народу появилось до 6 000 000 (шесть миллионов) безработных. Это несомненно был гигантский процентот всего количества работоспособных немцев. Явно, как вначале и в наших столовых самообслуживания, горчица стояла бесплатно на столах.У нас она была в больших тарелках. Ешь не хочу.Но у нас в первые годы самообслуживания и хлеб лежал свободно в ломтях на столе. Поэтому, когда финансы пели романсы, многие мазали толстым слоем горчицу(она была разведена на месте из порошка — слабая) на хлеб, за который не надо было платить и это позволяло обмануть желудок. К этим бутербродам брали чай за три копейки.(Не помню счас, но кажется сначала он был три копейки, а уж потом пять). Здесь хлеба на столах конечно же нет. За него надо платить.Пронзительно написала, а? Меня по-настоящему схватывает. Талант создаёт идею и композицию по-другому. Традиция передвижников показала бы нищету обстановки в убогом жилищес дырявой крышей, нетопленую печь в холодное время, голодную как и хозяева псину и т.д.А Маммен показала нам эту пару и страшненько написала состояние и эмоции девушки. И оказывается больше не надо. Голод, написаный талантливо как голод, это всегда жутко.

Карнавал. ок. 1931 г. Жанна Маммен (1890-1976), Карандаш и акварель.

Это была небольшая серия, под именем "карнавал". Жанна вообще любила писать кафе, наверное больше всего.Когда в 1916 году они всей семьёй вернулись в Берлин, из Франции, через Голландию (год с чем-то в Голландии) это была другая семья и другая жизнь. Её отец потерял во Франции всё.Французы официально объявили его "иностранным агентом"— (Her father is labelled a foreign enemy) — и всё конфисковали. Это были богатые люди.Жанна Маммен и её сёстры вынуждены были сами зарабатывать на жизнь. Трудно переключиться. Психологически трудно. Многие из русских эмигрантов в Париже и в Европе не нашлив себе силы и не сумели.Жанна почти голодала, но она не сдавалась. Её опыт жизни сделал её космополитом и это помогало ей свободно и без предубеждения относиться и общаться слюдьми из разных социальных слоёв. В эти годы она общалась со всеми слоями, включая рабочие окраины, посещала бары для бедных людей, видела и знала проституцию.Жанна была ОК.

Жанна Маммен, 1926 год. Фотография.

В самом начале двадцатых Жанна Маммен серьёзно продвинулась в области киноафиши и она стала успешным иллюстратором обложек для некоторых главных журналов Берлина. Голодные годы, на время,закончились. Мы видим её на фоте в 1926-ом году. Я думаю что можно сказать, что это не злой, а доброжелательный человек, правда? Теперь она стала создавать много работ карандашом и акварельюи была успешна. В эти благополучные годы, Жанна добавила в её работы присутствие влияния Тулуз-Лотрека. Немного. Но это очень хорошо сочеталось с её собственными идеями и работами.Конечно Маммен была очень близка к стилю "Новой вещественности", но всё же если смотреть внимательно, то прямо ощущаешь её собственные оттенки и нюансы. К сарказму и иронии Маммен не подходила "Новая вещественность"в чистом виде. Это было бы слишком сухо.

Самый закрытый и исключительный Берлинский клуб для лесбиянок 1925.__the monbijou berlin’s most exclusiv lesvian club. 1925. Jeanne Mammen (1890-1976)__ from the French mon bijou (my jewel)

Жанна явно была членом этого клуба. К середине 20-х она уже была знаменитым художником-иллюстратором и художником, чьи интересные и оригинальные карикатуры социальной жизни Берлинахотели ведущие периодические издания. Попозже она сделала знаменитые иллюстрации к "Песнями Билитис" французского поэта Пьера Луи.Это долгий разговор про эти стихи, которые поэт сначала пропихнул публике как стихи какой-то поэтессы из античности, типа Сафо. Большинство их об однополой, женской любви.Маммен ещё не знала, что товарищ Геббельс будет ждать её в 1933 году.

Ревность. Jeanne Mammen (1890-1976) Jalousie.

Любовь это жестокое дело, а? На коленях! Но не помогает. Эта, верхняя, уже намарафетилась, чтобы идти на свидание и смотрит надменно-презрительно.В общем, если сказать просто, то она смотрит полностью бесчувственно, правда? Жанна хорошо показывала чувства и эмоции.Не всем это удаётся.

Шахматист (1929-1930) Жанна Маммен (1890-1976)

В 1930 году у Жанны была главная персональная выставка. Успешная. Здесь мы видим работу за три года до Гитлера/Геббельса. Тем ни менее здесь есть заметное влияние кубизма и Пикассо.Дело в том, что когда пришёл Гитлер, Жанна один раз выставилась весной и сразу её атаковала пресса Геббельса, которая объявила её искусство еврейским. Конечно же она не была еврейкой.Но разве те, кого в роковые тридцатые убивали в СССР как японских, абиссинских или латышских, скажем, шпионов, были ими?Жанна отказалась работать с журналами, которые всё ещё хотела её работы, потому что в журналах ввели цензуру и обрезания картинок.Она снова начала полуголодное существование.

Девушки из кабаре(Showgirls) 1928 Жанна Маммен (1890-1976)

Помните в фильме "Кабаре" за спиной мужчины-звезды на той сцене есть пачка полуголых дам. Они там умышленно жирненькие, но это и есть позиция, которая называется девушки из кабаре.

Я просто восхищаюсь характером Жанны Маммен и стокойстью. В 1940 году ей уже было 50. И вот она как старьёвщик привозила на тачке во дворы и старалась продать старые книги, журналы, графику.Очень бедствовала, но работала только в стол. То что произошло с Германией и миром убило почти всё, на чём стояло её творчество. Теперь она не могла пользоваться стилем реализма и "Новой вещественности".Совершенно не совмещалось. И вот тогда, во время войны и после войны Жанна Маммен стала использовать в серьёзной степени кубизм и появилось заметное влияние Пикассо.Далеко не всякий художник способен к таким резким переменам на шестом десятки лет. Например на стремление к новому и перемену стиля был способен Писсарро, но Ренуар стал значительно суше и наверное можно сказать, консервативнее в те же годы.

Интервью на 85-летие. Фота из журнала в 1975 году, за год до смерти.

В конце войны на её дом упала бомба. Большинство вещей и многие из работ Маммен погибли. Но она не сдавалась.Она снова работала. После войны Жанна делала спектакли, плакаты и афиши. Но она уже не была такой общительной как в двадцатых. И позже почти перестала общаться с художниками.В шестидесятых Маммен снова создавала новое. Геометрические монохромы. Это было смело и неожиданно. Всё же Жанна Маммен оставалась в первую очередь летописцем Берлина Веймарской Германии.Но не так давно обратились ко всему её наследию и нашли совсем неожиданные черты и работы. В 2013 году на специальной выставке была выставлена её последняя абстрактная работа.Интересная. От символизма, потом от Новой вещественности она пришла к абстрактному искусству. Неслабо, а? Что скажете товарищи художники?Жанна Маммен как-то сказала:

"Я хотела бы быть только парой глаз. Чтобы ходить в мире невидимой и только видеть других. Но так не выходит. "